HORROR VACUI
Концерты и лекции, посвященные
исследованию природы творчества
фестиваль-in-progress
Москва | 2021-22
 

HORROR VACUI — серия концертов и лекций, посвященных исследованию природы творчества. Horror vacui переводится с латинского, как страх или боязнь пустоты, и восходит к аристотелевскому постулату "природа не терпит пустоты", констатирующему, что все пространство всегда заполнено какой-либо материей или энергией. Этим же термином обозначается тенденция к избыточному заполнению художественного пространства деталями, существовавшая от древнеегипетской рельефной стенописи до современного искусства. В то же время "страх пустоты" это страх перед белым листом бумаги в начале творческого процесса, а также экзистенциальный страх в ситуации тупика или кризиса, которые испытывают в тот или иной период творчества, возможно, все художники. Однако неприятие пустоты – это также положительная творческая энергия, двигатель креативности, внутренне отвращающий от опустевших, выхолощенных форм и ритуалов культуры и заставляющий художников искать новые формы выражения настоящего.

Фестиваль-in-progress HORROR VACUI это продолжающийся проект с открытым концом, в котором участники концертов – музыканты, композиторы, художники – раскрывают подробности своего творческого процесса в предваряющих концерты лекциях.

Арман Гущян, художественный руководитель фестиваля

10 ноября | MUTABOR | 20:30
АУДИОВИЗУАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ
Horror Vacui
Темой первого концерта проекта Horror Vacaui становится творческое расширение пространства и времени при помощи технологий. В музыкальных произведениях представленной программы солисты-инструменталисты взаимодействуют с электроникой — расширяя свое звучание в пространстве благодаря детальному звукоусилению и распределению в нем, а также — при помощи её «памяти» – нарушая линейность времени, создавая рекурсивную реальность. Музыканты создают звуки, которые возвращаются к ним в точном или измененном виде, в больших или микро-временных отрезках, и становятся новым звуковым материалом, с которым они входят в творческий диалог.

Мы пригласили прекрасных российских солистов – Сергея Полтавского, Дмитрия Власика, Юлию Мигунову и Алексея Потапова – сыграть пять электроакустических композиций двух немецких и двух российских композиторов. Видео-арт представлен в концерте берлинскими художниками — Лиллеваном, который исполнит свои новые композиции на музыку Дмитрия Курляднского и Армана Гущяна, Veit Lup, а также лайв-видео в работах немецких композиторов – Михаэля Байля и Александра Шуберта.

Концерт пройдет в рамках Года Германии в России и фестиваля NET. Новый европейский театр.

Программа:

Дмитрий Курляндский – "unsolvable acoustic cases" для альта и лайв-электроники, с видео-артом Лиллевана (2021), мировая премьера

Арман Гущян
– [ V ] для виолончели и лайв-электроники, с видео-артом Лиллевана (2012/2021), мировая премьера

Михаэль Байль – "along" для гитары, лайв-видео и звуковой дорожки (2011)

Александр Шуберт – "Weapon of Choice" для альта, сенсора, лайв-электроники и лайв-видео (2009), российская премьера

Михаэль Байль – "Batterie" для ударной установки, звуковой и видео дорожки. Видео-арт – Veit Lup (2003), российская премьера


Исполнители:

Лиллеван, видео-арт
Сергей Полтавский, альт
Юлия Мигунова, виолончель
Алексей Потапов, электрогитара
Дмитрий Власик, ударные
Алексей Наджаров, электроника
Арман Гущян, электроника

Продолжительность 1 час 20 минут.

Концерт проходит при поддержке Гёте-Института.
Lillevan

Лиллеван - анимационный, видео и медиа художник. Наиболее известен как один из основателей визуальной / музыкальной группы Rechenzentrum (1997-2008). Лиллеван выступал и сотрудничал со многими артистами в самых разных жанрах, от оперы до инсталляции, от минималистического электронного экспериментализма до танцевальной и классической музыки. Лиллеван выступает и выставляется по всему миру и на всех крупных медиа-фестивалях.
О Лиллеване
В конце 80-х – начале 90-х годов Лиллеван активно изучал политику, кинематограф и теорию кино, писал сценарии и был заметной фигурой в кинематографическом и анимационном сообществе, но в результате разочаровался в самой идее пересказывания одних и тех же историй и отсутствием интриги в мире кино. Он на время ушел из кинематографа и, воодушевленный притоком художников из Восточной Европы после падения Берлинской стены, работал в клубах в Берлине. Вскоре новые впечатления, а также появление доступных технологий, побудили его вернуться в мир кинематографа. Но на этот раз он пришел с новой концепцией и мотивацией, решив создавать движущиеся образы, которых, по его мнению, не хватает в кино, мире искусства и поп-культуре.
С середины 90-х годов Лиллеван исследует в основном те аспекты кино, которые не являются по своей сути повествовательными. Результатом стало создание полностью абстрактных работ, коллажей, исследующих историю кино, а также интерактивных произведений для танцевальных коллективов и многого другого. Часто акцент в его творчестве сделан на музыкальности движущихся образов, что делает их самостоятельным инструментом в отличие от аккомпанемента. Интенсивность и фактура изображения становятся более важными, чем повествование и персонажи. Исследуется взаимодействие между элементами изображения и зрительным восприятием аудитории, между глазами, разумом и душой. Главный интерес для него представляет мир медиа-археологии, и в то же время под сомнение ставятся привычки зрителя и создание манипулятивных изображений.
Лиллеван реконтекстуализирует, комбинирует и политизирует существующие изображения и фрагменты кино. «Эстетика изображения заключается не в его красоте, плотности и полноте, а в его понятности и возможностях». Визуальный ряд становится коммуникативным средством, взаимодействующим с музыкой. Подборка изображений может либо поддерживать звук, либо работать против него, а целью является достижение диалога. Помехи и разорванность образов представляется центральным драматургическим элементом в творчестве. Некоторым фильмам не нужен саундтрек, изображения сами создают музыку и погружают зрителя в психологически визуальную композицию.
Для Лиллевана рабочий процесс проходит в поиске отношений между изображением, его интенсивностью и фактурой, подобном тому, который характерен для Жана-Люка Годара.
«Я всегда стремлюсь проводить натурный эксперимент, рискуя успехом, чем реализовывать хорошо проверенную концепцию. Импровизация – это главный принцип работы. Никогда нельзя останавливаться на известных средствах презентации». Лиллеван рассматривает свою работу как многоуровневый процесс, дающий каждому зрителю возможность сосредоточиться на различных деталях и моментах. Человеческое восприятие остается последним интерактивным элементом живой видеокомпозиции, возвращая изображениям их первоначальную двусмысленность, уводя от императивной природы традиционного монтажа, ставя неразрешимые задачи для нового программного обеспечения и создавая новые и неожиданные отношения между несвязанными изображениями.

КОМПОЗИТОРЫ
Михаэль Байль

Михаэль Байль изучал фортепиано и теорию музыки в Высшей школе музыки города Штуттгарт и позже композицию с Мануэлем Хидальго. В 1996 году он преподавал теорию музыки и композицию в музыкальных колледжах Берлина. В это время он также возглавил Klangwerkstatt - фестиваль современной музыки в Берлине и основанный в 2000 году вместе со Стефом Винклером группу Skart, представляющей концерты на основе междисциплинарных концепций. В 2007 году он стал профессором электронной музыкой в Высшей школе музыки и танца в Кельне.
читать дальше
Как композитор Михаэль Байль сотрудничал с многочисленными ансамблями и солистами. Его музыка написана по заказу фестивалей современной музыки, таких как Ultraschall в Берлине, ECLAT в Штутгарте или Wien Modern, и была представлена в портретных или концертных передачах на таких радиостанциях, как Deutschlandradio, RBB, SDR и многих других. Кроме того, он получил стипендии Künstlerhaus Wiepersdorf, cité des arts в Париже и стипендию Генриха-Гартентора для видеоарта в Туне, Швейцария. Кроме того, он участвовал в Nachwuchsforum для молодых композиторов Общества новой музыки (GNM) в сотрудничестве с ансамблем Modern.
Работа Михаэля Байля сосредоточена на сочетании электронной музыки, инструментальной музыки и видео. Его композиции основаны на концепциях, касающихся ситуации на сцене в концерте – с процессом развития произведений. Поэтому инструменталисты в основном участвуют в композиционном процессе, и их участие задокументировано как часть композиции. Таким образом, временное формирование и согласованность музыкального произведения становятся воспринимаемыми и прозрачными для зрителей во время исполнения. Для этого Михаэль Байль использует живые и предварительно записанные аудио и видео. Еще одна фундаментальная цель его музыки состоит в том, чтобы поставить под сомнение произведение искусства как шедевр. С этой целью Михаэль Байль занимается исключительно музыкальными редимейдами, преобразуя или деконструируя знакомые музыкальные произведения или используя методы вытеснения хорошо известного музыкального материала или материала, который является идиоматичным для определенного инструмента в необычной коннотации.
Александр Шуберт

Автор электроакустической музыки и мультимедийных проектов, включающих импровизационные и интерактивные элементы. Изучал биоинформатику, мультимедийную композицию. Профессор Гамбургской Musikhochschule.
Шуберт исследует границу между акустическим и электронным миром. В музыкальной композиции, иммерсивной инсталляции и постановочных пьесах он исследует взаимодействие между цифровым и аналоговым. Он создает пьесы, которые исследуют пространство взаимодействия представления и восприятия. Постоянные темы в этой области - подлинность и виртуальность. Влияние и формирование цифровых медиа на эстетические взгляды и коммуникацию исследуется в постцифровой перспективе. Последние темы исследований в его работах - виртуальная реальность, искусственный интеллект и онлайн-произведения искусства.
Шуберт является одним из основателей таких ансамблей, как «Декодер».
Его произведения были исполнены более 700 раз за последние несколько лет многочисленными ансамблями более чем в 30 странах мира.
Дмитрий Курляндский

Дмитрий Курляндский родился в 1976 году в Москве. Окончил Московскую консерваторию и аспирантуру по классу композиции Леонида Бобылева. Победитель международного конкурса «Гаудеамус» в Голландии (2003). Гость Берлинской программы для деятелей искусств (2008). Победитель Премии Джанни Бергамо в Швейцарии (2010). Победитель конкурса на оперное сочинение Иоганна Йозефа Фукса в Австрии (2011). Лауреат премии фонда Андрея Вознесенского «Парабола» (2016). Лауреат премии итальянских музыкальных критиков имени Франко Аббьяти (2017). Лауреат Московской Арт премии (2020) и премии «Золотая Маска» (2021). Член союза композиторов России. С 2013 года — музыкальный руководитель Электротеатра Станиславский.
читать дальше
Оперные постановки состоялись в Австрии, Италии, Нидерландах, России и Франции. Среди исполнителей - дирижеры Теодор Курентзис, Федор Леднев, Филипп Чижевский, Дмитрий Васильев, Сюзанна Малькки, Райнберт де Леу, Роланд Клуттиг, Марио Брунелло и др.; оркестры SWR, MusicAeterna, Национальный оркестр Лиона, Оркестр фонда Артуро Тосканини, Стокгольмский новый камерный оркестр, оркестр Омской филармонии и др.; ансамбли KlangForum Wien, Schoenberg, InterContemporain, Contrechamps, Quatour Diotima, МАСМ, eNsemble, Студия Новой Музыки, N'Caged, Questa Musica, Татьяна Гринденко и Академия старинной музыки и др.; солисты Патриция Копачинская, Михаил Мордвинов, Наталья Пшеничникова, Маттео Чезари, Николь Шевалье и др.
Арман Гущян

Арман Гущян — автор симфонической, камерной, вокальной и электронной музыки, звуковых инсталляций, музыки для музыкального и драматического театра. Преподаватель Московской консерватории в 2008-13 годах, с 2021 года – Школы дизайна НИУ ВШЭ. Стипендиат Швейцарской конфедерации ESKAS и Немецкой службы академических обменов DAAD, артистической резиденции Richard-Wagner-Stätten, лауреат конкурсов «Пифийские игры» в Санкт-Петербурге, имени Шостаковича в Москве, Pre-Art в Цюрихе. Музыка исполняется ведущими российскими и европейскими музыкантами, оркестрами и ансамблями. Куратор международных музыкальных и образовательный проектов. Основатель и художественный руководитель платформы «Траектория Музыки».
читать дальше
Окончил Московскую консерваторию, стажировался в Базельской музыкальной академии и в Дрезденcкой высшей школе музыки, в которых учился композиции у Романа Леденёва, Роланда Мозера и Марка Андре.
Его музыку исполняли Ю. Башмет и Солисты Москвы, Базельский симфонический оркестр, Дрезденский филармонический оркестр, ГАСО им. Е. Светланова; дирижёры J. Hempel, J. Henneberger, E. Klemm, Ф. Леднёв, Ф. Чижевский; ансамбли МАСМ, «Студия новой музыки», eNsemble, Ensemble Phoenix Basel, Mondrian Ensemble, Sinfonietta Dresden, Apartment House, Assonance, Вокальный ансамбля Intrada; солисты S. Schmidt, V. Chassot, С. Чирков, Д. Сорокин, К. Волостнов, А. Аванесов. Сочинения звучали на фестивалях: Московский Форум, ISCM World New Music Days, Tonkünstlerfest, Киев Мюзик Фест, Московская Осень, «Трудности перевода», Culturescapes Moskau, Пифийские игры, reMusik Fest, Crossroads. Автор музыки к спектаклям, поставленным в театрах России, Латвии и Литвы.
Среди кураторских проектов – «Реквием памяти Жоскена Депре. Жан Ришафор и композиторы ХХI века» и 6-дневный фестиваль Элвина Люсье в Москве «Everything Is Real» в 2017 году.

При дружественной поддержке
Партнеры фестиваля
Площадки фестиваля
Инфопартнер
Узнать о следующем событии фестиваля
и подписаться на рассылку анонсов предстоящих мероприятий «Траектория Музыки»